1- ¿Qué é o rap ou o hip-hop?
2- ¿Hai algunha diferencia entre eles?
3- ¿Onde xorde e cando?
4- ¿Qué é o breakbeat?
5- ¿E o breakdancing?
6- Busca información sobre Afrika Bambaata.
7- ¿Qué é un rapper?
8- ¿A qué se chama turnablism?
9- ¿Qué é o electro funk?
10- ¿E o scratch?
11- ¿Qué é o gangsta-rap?- Busca información sobre Public Enemy, Ice Cube e Los violadores del verso e SFDK.
1. El rap es el elemento musical vocal principal de la cultura hip hop. Consiste básicamente en recitar rimas siguiendo un ritmo o una base musical. El recitador se conoce como MC y generalmente la música la pone un DJ (audio mezcla y scratching). En un principio era el MC el que presentaba y acompañaba al DJ, que era, realmente la estrella del espectáculo. Pero hoy en día, podríamos decir que casi siempre es el DJ el que acompaña al MC, y muchas veces ni aparece.
2. Es habitual el creer que los términos rap y hip hop son sinónimos. La realidad es que no.
Mucha gente no familiarizada con esta cultura, utilizan el término hip hop de forma indistinta para referirse a la música Rap.
Por otra parte, la gente afín a la cultura Hip Hop y a la música Rap recomiendan el uso del término hip hop para referirse a la cultura y el uso del término rap para referirse al estilo musical, dentro de dicha cultura. Esta es versión de uso común. Afrika Bambaataa fue el primero en usar el término "hip hop" para describir el movimiento que estaba ocurriendo en barriadas pobres de New York, esto incluía Música (Funk, Rap, Salsa, DJing…), Baile (Hustle, Up-Rocking, Lindy Hop, Popping, Locking…) y Pintura (aerosol, bombing, political graffit
También se usa a veces el término hip hop para referirse a sonidos musicales derivados del funk y el movimiento hip hop cuando en las canciones no aparece necesariamente el trabajo de rap del MC. (Clásicamente estas formas musicales se las llama Breakbeat, Electro, Big Beat o simplemente Funk).
Sí, podremos referirnos al rap como la música de la cultura hip hop o más exactamente la música cantada de la cultura Hip Hop. el rap es mas como palabras con musica y el hip hop es mas comorimas musica y ritmo.
3. Orígenes musicales:
Griots (África),Dancehall jamaicano, R&B, disco y funk
Orígenes culturales:
Finales de los 60/principios de los 70: Kingston, Jamaica - principios de los 70, South Bronx, Nueva York.
4. Breakbeat (también denominado breakbeats o breaks), es una técnica de creación musical que se compone de un break, una porción de canción escogida por sus características rítmicas expresivas, que se combina formando un beat, que el disk jockey repite de forma rítmica creando una instrumental. El significado de este término se ha extendido de forma análoga a el género musical instrumental rítmico fruto de esta técnica, muy expresivo para el baile. Es la raíz del electro, una de las raíces de toda la música electrónica y la técnica más utilizada en las instrumentales de rap.
5. El breakdance, también conocido como breaking, b-boying o b-girling, es un estilo de baile urbano que forma parte del movimiento de la cultura hip hop surgido en las comunidades latinoamericanas y afroamericanas en los barrios como el Bronx o Brooklyn de Nueva York a comienzos de los años 1970. Es posiblemente el estilo de baile dentro del hip hop más conocido. El Break Dance es uno de los llamados cuatro elementos del hip hop, siendo los otros el MCing (o rapping), el DJing (o turntablism) y el Graffiti.
6. Afrika Bambaataa (nacido como Kevin Donovan el 17 de abril de 1957) está catalogado un pionero dentro del nacimiento del hip hop. Afrika fue uno de los DJ de la escena neoyorquina (South Bronx en especial) de finales de los setenta.
Historia
Durante sus primeros años, Bambaataa fue el miembro fundador de una pandilla del Bronx llamada The Savage Seven. Debido al crecimiento y expansión de la banda, la ‘street gang’ pasó a ser conocida como Black Spades, y Bambaataa ascendió al status de líder del grupo. Después de una visita a África que le marcó, Kevin Donovan se cambió el nombre a Afrika Bambaataa Aasim. Bambaataa fue influido notablemente por la película Zulu, basada en una sangrienta batalla que tuvo lugar en África en el año 1879 y en la que 140 soldados británicos tuvieron que enfrentarse a 4.000 guerreros Zulú. Después de esto, Bambataa decidió liderar e involucrar a las bandas en labores y actos positivos para la comunidad. Su carrera se inicia en los 70, cuando el hip hop pasaba por una etapa estrictamente underground. Aquella era una época en que Bambaataa ejercía labores de DJ, además de crear una asociación que con el paso del tiempo iría aumentando en tamaño e importancia: la Zulu Nation (en primer lugar se llamaba The Organization), que englobaba DJs, raperos, B-boys, y graffiteros. Un grupo de artistas callejeros formado como una pandilla pero dedicados a expresarse mediante arte y no por violencia.
En 1977, inspirado en DJ Kool Herc, Bambaataa empezó a organizar 'block parties' en South Bronx, convirtiéndose en uno de los mejores DJ. Los miembros de Zulu Nation se dividían a su vez en diversas formaciones intercambiables con nombres como Soul Sonic Force o Cosmic Force, y Bambaataa, apoyado en esta infraestructura, participó en batallas de DJs celebradas en el Bronx, contando con la ventaja de poseer una amplísima colección de vinilos, lo que le valió el apodo de "Master of records". En la década de 1980, produjo un buen número de clásicos, entre los que brilla "Planet Rock"(1982), donde une ritmos sincopados de sonidos electrónicos (gracias a la genial producción de Arthur Baker y el tecladista John Robie) con las melodías del tema "Trans-Europe Express" de Kraftwerk, que el artista llena de alma y al que convierte en todo un himno callejero-espacial, pionero del Electro y que ha dejado su influencia que ha calado en géneros de baile posteriores, desde el House a unas cuantas variantes del Techno. Donovan había pasado de pinchar en parques del Bronx a hacerlo en las discotecas de moda, inventando así el denominado electro-funk (también conocido como hip hop robot), influenciando a muchos estilos como la electrónica, el dance, el freestyle, el house o el techno.
En 1983, Bambaataa organizó su primera gira por Europa junto con los legendarios graffiteros Fab 5 Freddy, Phase 2, Futura 2000, Dondi y Rammellzee, el Zulu Nation DJ Grand Mixer DXT (antiguamente Grand Mixer D.St), la afamada banda de breakdancing Rock Steady Crew y las Double Dutch Girls. Era el DJ del momento, incluso editaba discos como "Jazzy sensation" (en Tommy Boy Records y donde aparece el "Planet Rock") y cuya popularidad había eclipsado al mismo Grandmaster Flash.
Después de sacar Wildstyle en 1983 como Time Zone, Bambaataa grabó "Unity" junto con el "Padrino del Soul" James Brown (1984) y publicó "World Destruction" de nuevo bajo el grupo Time Zone con el ex cantante de los Sex Pistols, John "Rotten" Lydon. Bajo otro grupo, Shango, debutó con 'Beware (The Funk Is Everywhere)'. Incluso apareció en el tercer film que obtuvo gran acogida dedicado especialmente al rap, "Beat Street" de Stan Lathan. El primero no olvidemos que fue "Wild Style" y el segundo "Breakin", donde aparece Ice-T.
En 1986 publicó Planet Rock, The album. Publicado por Afrika Bambaataa & the Soulsonic Force, era una colección de singles anteriores, como Planet Rock (1982), Looking for the Perfect Beat (1983) o Renegades of Funk (1983), incluida en el Renegades de Rage Against The Machine (2000).
A partir de último tercio de los 80 este artista iniciaría la búsqueda de nuevas vías musicales de expresión, con menos fortuna que en años anteriores, acercándose a las raíces africanas. Su figura empezó a decaer a causa de la irrupción de la vieja escuela, para la cual el era un mito. Aún así, Bambaataa ha continuado en activo hasta el presente, simultaneando su carrera individual con sus colaboraciones con otros artistas, habiendo editado una cantidad inmensa de material. Sin olvidar que su "Nación Zulú" está extendida por todo el mundo y que tiene una interesante página en Internet donde se da conocer la peculiar filosofía de esta organización
Entonces Bambaataa dejó Tommy Boy uniéndose a Capitol Records, con el que publicó "The Light" (Afrika Bambaataa & the Family), que incluía colaboraciones de George Clinton, Bootsy Collins, Boy George y UB40, y "1990-2000: Decade of Darkness" (1991), que incluye temas hip house producidos por los italianos De Point, además de hip hop y electro funk. En su primer trabajo con el sello, nos acerca a sus raíces africanas. En "Warlocks and Witches", Bam (como era conocido) se centró especialmente en hip hop. Su carrera culminó con dos álbumes, el Looking for the perfect beat 1980-1985 publicado en 2001, y que es un recopilatorio centrado en los años de esplendor de Bambaataa (justo hasta la edición de "Beware (the funk is everywhere)" con once temas en los que se hace acompañar de las formaciones Soul Sonic Force, The Jazzy 5 y The Family. Funk, voces en vocoder, scratching, cajas de ritmos de la época. Culminó su carrera en 2004 con Dark Matter Moving at the Speed of Light, donde participa Gary Numan entre otros.
7. Un rapero.
8. Es el arte que transforma el turntable, en un instrumento musical, solo o como parte de una banda, es un estilo tal vez medio de culto. Pero definitivamente lleva al extremo las posibilidades tecnicas, creativas y musicales que ofrece un tocadiscos.
9. Donovan había pasado de pinchar en parques del Bronx a hacerlo en las discotecas de moda, inventando así el denominado electro-funk.
10. En música, se llama así una técnica utilizada por los DJs de hip-hop y música electrónica, que consiste en mover un disco de vinilo hacia adelante y hacia atrás sobre el plato del tocadiscos para crear un efecto parecido al de rayar el disco y que, bien utilizado, ayuda a construir ritmos y frases melódicas. Algunos instrumentos de música electrónica incorporan un mando giratorio circular para imitar este efecto.
Con el paso del tiempo, el scratch ha alcanzado niveles que superan la definición de "mover un vinilo hacia delante y hacia atrás". A lo largo de los años, y ayudándose de las mesas de mezclas, los djs han inventado decenas de técnicas que pueden convertir un sonido muy sencillo en todo un repertorio de notas musicales con compás y ritmo. Para crear dichos ritmos se recurre a "cortar" el sonido, es decir, crear un silencio usando la mesa de mezclas de tal manera que un sonido continuo puede quedar dividido en varias notas. De ésta manera se han creado "trucos" o técnicas como el transformer, los flare, el crab, etc.
Muchas técnicas pueden prescindir de la mesa de mezclas ya que al ser el vinilo un medio analógico, es sensible a golpes, vibraciones y variaciones de velocidad, por tanto el dj puede crear infinidad de sonidos partiendo de uno solo, haciendo vibrar el vinilo con su mano o variando la velocidad de movimiento del disco, así, aparecen "trucos" como la "UZI", los "tears", los "tips" etc.
11. El Gangsta Rap es el sub-género de la música rap en el que las letras dan más importancia a las historias de gángsters y drogas. Es principalmente un subgénero temático, que se plasma en diferentes subestilos musicales de la música rap.
Un beso almudena xDDDDD
martes, 13 de mayo de 2008
lunes, 5 de mayo de 2008
Folk en Galicia
wenu....estoy solita que sergio me dejó tirada....
la música folk en Galicia:
1. La música popular es un conjunto de géneros y estilos musicales que, a diferencia de la música folclórica, no se identifican con naciones o etnias específicas. Por su sencillez y corta duración, no suelen requerir de conocimientos musicales muy elevados para ser interpretadas. Se comercializan a través de vías muy concretas y se difunden gracias a los medios de comunicación de masas.
2. Berrogüeto, Faltriqueira, Luar na lubre, Milladoiro, Norkfolk, Os cempés, Leilia.
3. Hizo una recopilación de nuestras canciones populares que las recogió en el “cancioneiro popular galego”
4. es un instrumento musical perteneciente a la familia de los cordófonos frotados, se asemeja a un violín mecánico, en el que varias cuerdas vibran por la fricción de una rueda en-resinada(situada en la caja de resonancia del instrumento) que gira gracias a un manubrio.
5. La requinta es un instrumento de los de mas tradición gallega, es una flauta que deriva de la flauta travesera barroca y que esta diseñada para ser tocada con la gaita.
6. es una lámina situada en la boca de ciertos instrumentos de viento, cuya vibración permite la emisión del sonido a través del aire producido por el intérprete. están fabricadas con caña, madera o metal, y varían según el instrumento.
7. se refiere a la necesidad que tiene el gaitero de saciar su sed, motivada por el esfuerzo de soplar para hacer sonar la gaita
8. BERROGÜETO: es un grupo gallego de música celta, folk moderno, formado en la década de los 90, alguno de las componentes del grupo formaron antes el grupo Matto Congrio. Junto a otros artistas como Carlos Núñez, en 2002 fueron nominados a los grammy latinos como mejor álbum folk.
LUAR NA LUBRE: es hoy por hoy uno de los grupos de folk más importantes de Galicia, y mas internacional, con un amplio historial de conciertos que traspasa fronteras. llevan mas de 20 años en la música, adquirieron mucha fama por colaborar con Mike Olfield en una gira. Entre los muchos instrumentos que utilizan son la gaita, acordeón diatónico, violín, flautas...
MILLADOIRO:
9. 2 gaiteiros: Carlos Núñez y Budiño y 2 gaiteiras: Susana Seivane y Cristina Pato. Festival celta de Ortigueira y La Fraga de As Pontes
la música folk en Galicia:
1. La música popular es un conjunto de géneros y estilos musicales que, a diferencia de la música folclórica, no se identifican con naciones o etnias específicas. Por su sencillez y corta duración, no suelen requerir de conocimientos musicales muy elevados para ser interpretadas. Se comercializan a través de vías muy concretas y se difunden gracias a los medios de comunicación de masas.
2. Berrogüeto, Faltriqueira, Luar na lubre, Milladoiro, Norkfolk, Os cempés, Leilia.
3. Hizo una recopilación de nuestras canciones populares que las recogió en el “cancioneiro popular galego”
4. es un instrumento musical perteneciente a la familia de los cordófonos frotados, se asemeja a un violín mecánico, en el que varias cuerdas vibran por la fricción de una rueda en-resinada(situada en la caja de resonancia del instrumento) que gira gracias a un manubrio.
5. La requinta es un instrumento de los de mas tradición gallega, es una flauta que deriva de la flauta travesera barroca y que esta diseñada para ser tocada con la gaita.
6. es una lámina situada en la boca de ciertos instrumentos de viento, cuya vibración permite la emisión del sonido a través del aire producido por el intérprete. están fabricadas con caña, madera o metal, y varían según el instrumento.
7. se refiere a la necesidad que tiene el gaitero de saciar su sed, motivada por el esfuerzo de soplar para hacer sonar la gaita
8. BERROGÜETO: es un grupo gallego de música celta, folk moderno, formado en la década de los 90, alguno de las componentes del grupo formaron antes el grupo Matto Congrio. Junto a otros artistas como Carlos Núñez, en 2002 fueron nominados a los grammy latinos como mejor álbum folk.
LUAR NA LUBRE: es hoy por hoy uno de los grupos de folk más importantes de Galicia, y mas internacional, con un amplio historial de conciertos que traspasa fronteras. llevan mas de 20 años en la música, adquirieron mucha fama por colaborar con Mike Olfield en una gira. Entre los muchos instrumentos que utilizan son la gaita, acordeón diatónico, violín, flautas...
MILLADOIRO:
9. 2 gaiteiros: Carlos Núñez y Budiño y 2 gaiteiras: Susana Seivane y Cristina Pato. Festival celta de Ortigueira y La Fraga de As Pontes
lunes, 21 de abril de 2008
New Age
1. De 1968 a 1973 músicos alemanes como Holger Czukay (un anterior estudiante de Karlheinz Stockhausen), Popol Vuh y Tangerine Dream sacaron varios trabajos con sonidos experimentales y texturas construidas con instrumentos acústicos, electricos y electrónicos. Su música, referida como "cósmica" puede ser considerada como música Ambient o música New Age dependiendo del punto de vista.
2. Posteriormente Brian Eno definió el estilo y los patrones de la música Ambient en una forma en que fácilmente podía fusionarse y co-desarrollarse con los estilos de muchos músicos como Robert Fripp, Jon Hassell, Laraaji, Harold Budd, Cluster, Jah Wobble desde los finales de la década de 1970 hasta hoy.
3. La música New Age en sus orígenes estuvo fuertemente relacionada con el movimiento de creencias Nueva Era, por lo que su contenido ha sido constantemente asociado con cuestiones místicas claramente presentes en el movimiento. Empezó a ser popular en la década de 1960 en la subcultura hippie. Actualmente se relaciona más con la relajación y mucha gente la escucha sin importar sus creencias, a pesar de que las compañías discográficas a menudo diseñan sus carátulas con fuertes enfoques místicos.
Se dice que la música new age llegó a ser popular debido a que se cree que expresa un estilo de vida espiritual, no sectario y de expansión de consciencia, lo que permitió a millones de personas en todo el mundo estudiar y practicar una nueva espiritualidad sin las limitaciones de las religiones organizadas, y lo mas importantes sin relacionarla a ningun movimiento o secta satanica.
Los compositores a menudo utilizan instrumentos tradicionales (o versiones sintetizadas de ellos) con poca relación al contexto musical de su origen. Para muchos críticos y etnomusicólogos esto es lo peor de este género músical: su insípida homogeización de instrumentos y material musical apropiados de sus culturas originales.
4. Música agradable. No es música clásica, ni es jazz, ni remezclas instrumentales de antiguas grabaciones.
A mucha gente le gusta esta música, y ni siquiera lo sabe. Como por ejemplo el tema clásico de Vangelis "Charriots Of Fire", o la famosa "Orinoco Flow" de Enya.
Todo esto es New Age.
Nacida de una estética que pretende inducir un sentido de calma interna, la música New Age surgió de los campos de la meditación y la holística.
Generalmente, estos álbumes son armoniosos y serenos, promoviendo la trascendencia espiritual y la salud física.
5. Instrumentos comunes:
Sintetizador, Arpa, Piano, Violin, Chelo, Flauta, Tornamesa, Guitarra (Acústica y electrica), Batería, Organo...
6. La creación de este género artificial nace en los años 80 cuando las grandes multinacionales, Sony, BMG y Polygram, se consolidan y redefinen sus estrategias comerciales. Algunas pequeñas discográficas independientes graban, gracias al abaratamiento de costes y de los avances tecnológicos músicas, géneros musicales locales que las grandes multinacionales hasta entonces habían ignorado. A principios de los años 90 la gran industria discográfica comienza a prestar atención a estos géneros que comienzan a ganar adeptos.
7. Pink Floyd:
2. Posteriormente Brian Eno definió el estilo y los patrones de la música Ambient en una forma en que fácilmente podía fusionarse y co-desarrollarse con los estilos de muchos músicos como Robert Fripp, Jon Hassell, Laraaji, Harold Budd, Cluster, Jah Wobble desde los finales de la década de 1970 hasta hoy.
3. La música New Age en sus orígenes estuvo fuertemente relacionada con el movimiento de creencias Nueva Era, por lo que su contenido ha sido constantemente asociado con cuestiones místicas claramente presentes en el movimiento. Empezó a ser popular en la década de 1960 en la subcultura hippie. Actualmente se relaciona más con la relajación y mucha gente la escucha sin importar sus creencias, a pesar de que las compañías discográficas a menudo diseñan sus carátulas con fuertes enfoques místicos.
Se dice que la música new age llegó a ser popular debido a que se cree que expresa un estilo de vida espiritual, no sectario y de expansión de consciencia, lo que permitió a millones de personas en todo el mundo estudiar y practicar una nueva espiritualidad sin las limitaciones de las religiones organizadas, y lo mas importantes sin relacionarla a ningun movimiento o secta satanica.
Los compositores a menudo utilizan instrumentos tradicionales (o versiones sintetizadas de ellos) con poca relación al contexto musical de su origen. Para muchos críticos y etnomusicólogos esto es lo peor de este género músical: su insípida homogeización de instrumentos y material musical apropiados de sus culturas originales.
4. Música agradable. No es música clásica, ni es jazz, ni remezclas instrumentales de antiguas grabaciones.
A mucha gente le gusta esta música, y ni siquiera lo sabe. Como por ejemplo el tema clásico de Vangelis "Charriots Of Fire", o la famosa "Orinoco Flow" de Enya.
Todo esto es New Age.
Nacida de una estética que pretende inducir un sentido de calma interna, la música New Age surgió de los campos de la meditación y la holística.
Generalmente, estos álbumes son armoniosos y serenos, promoviendo la trascendencia espiritual y la salud física.
5. Instrumentos comunes:
Sintetizador, Arpa, Piano, Violin, Chelo, Flauta, Tornamesa, Guitarra (Acústica y electrica), Batería, Organo...
6. La creación de este género artificial nace en los años 80 cuando las grandes multinacionales, Sony, BMG y Polygram, se consolidan y redefinen sus estrategias comerciales. Algunas pequeñas discográficas independientes graban, gracias al abaratamiento de costes y de los avances tecnológicos músicas, géneros musicales locales que las grandes multinacionales hasta entonces habían ignorado. A principios de los años 90 la gran industria discográfica comienza a prestar atención a estos géneros que comienzan a ganar adeptos.
7. Pink Floyd:
miércoles, 2 de abril de 2008
Romanticismo
1.¿Que significa para ti a palabra "romanticismo"?
2.¿Cómo é unha cousa, unha paisaxe ou unha persoa romántica?
3.Neste período, o mundo artístico consideraba a música a máis perfecta de tódalas artes. ¿Por que?
4.A música deixa de ser un entretemento e o artística pasa de ser un artesán a ser un...
5.¿Por que se considera a Beethoven o primeiro romántico?
6.Paganini e Liszt eran...
7.¿Cales son os temas preferidos no Romanticismo?
8.As harmonías, melodía, ritmo e timbre eran...
9.¿Cal é o instrumento por excelencia nesta época? ¿Por que?
10.A partir de Beethoven a sinfonía segue por dous camiños: un conservador e outro profresista. ¿En que consistían estas dúas liñas de composición e que autores destacan en cada unha delas?
11.¿Que se entende por música programática?
12.¿Que é un poema sinfónico? ¿Quen foi o seu creador?
13.¿Que é un lied? Sinala un compositor de lieder importante.
14.Busca información sobre a ópera romántica e sobre Verdi (Italia), Wagner (Alemaña) e Bizet (Francia).
1. Para nosotros el Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dándole importancia al sentimiento.
2. El estilo vital de los autores románticos despreciaba el materialismo burgués y preconizaba el amor libre y el liberalismo en política, aunque hubo también un Romanticismo reaccionario, representado por Chateaubriand, que preconizaba la vuelta a los valores cristianos de la Edad Media. El idealismo extremo y exagerado que se buscaba en todo el Romanticismo encontraba con frecuencia un violento choque con la realidad miserable y materialista, lo que causaba con frecuencia que el romántico acabara con su propia vida mediante el suicidio. La mayoría de los románticos murieron jóvenes. Los románticos amaban la naturaleza frente a la civilización como símbolo de todo lo verdadero y genuino.
3. El romanticismo musical está relacionado con el romanticismo, la corriente de cambios en literatura, bellas artes y filosofía, aunque suele haber ligeras diferencias temporales, dado que el romanticismo en aquellas artes y en la filosofía se suele reconocer entre los años 1780 y 1840. El romanticismo como movimiento global en las artes y la filosofía, tiene como precepto que la verdad no podía ser deducida a partir de axiomas, en el mundo había realidades inevitables que sólo se podía captar mediante la emoción, el sentimiento y la intuición. La música del romanticismo intentaba expresar estas emociones y describir esas verdades más profundas, mientras preservaba o incluso expandía las estructuras formales del período clásico.
El término música romántica, que podría confundirse con la música del romanticismo, se entiende como toda música suave o con una atmósfera ensoñadora (no siempre ha de ser así). Ese término podría relacionarse con la palabra romántico que se estableció durante el romanticismo, pero no toda la música del romanticismo cumple con estas características. Del mismo modo, no toda la música romántica se puede relacionar con el período romántico.
4. Genio.
5. En 1792 el elector de Bonn vuelve a financiar un viaje a Viena, ciudad en la que permanecerá el resto de su vida componiendo, tratando de alcanzar un reconocimiento social a su persona por medio del arte y sufriendo un mal particularmente terrible para él: la sordera. Eran años en que las potencias monárquicas europeas se habían aliado para derrotar a la joven Francia revolucionaria. En una deslumbrante campaña en el norte de Italia, en la que el ejército austríaco es vencido, adquiere notoriedad Napoleón Bonaparte, que se va convirtiendo en un ídolo entre los sectores progresistas. En Viena recibe clases del célebre compositor Haydn (autor de 104 sinfonías) y de Salieri, operista italiano.
Durante este período tuvo varios duelos musicales con otros pianistas. El primero fue en 1792 durante un viaje con la orquesta de la corte, en éste tocó con Franz Sterkel, ejecutando obras de dicho compositor. En 1800, ocurre el famoso duelo (en el palacio de Lobkowitz) en el que Daniel Steibelt lo retó a que tocasen juntos. En dicha ocasión Beethoven tomó partituras de una obra de éste modificándolas (al mismo tiempo que las iba tocando) con tanta gracia, que Steibelt declaró que no volvería a Viena mientras Beethoven viviera allí y abandonó la ciudad, radicándose en Paris.
Con 25 años da a conocer sus primeras obras importantes: tres tríos para piano (Opus 1) y tres sonatas para piano (Opus 2), de 1796; además ofrece su primer concierto público como compositor profesional. Viena acoge su música, en especial la corte, la nobleza y la iglesia. Por esa época se desliga de Haydn, con el que no concuerda musicalmente pero a quien, a pesar de esto, dedica los tres tríos. Secuencialmente recibe clases secretas de Schenk y del organista de la corte Albrechtsberger; deja de escribir para la nobleza y para la iglesia y se establece como compositor independiente. Su música inicial, fresca y ligera, cambia para convertirse en épica y turbulenta, muy acorde con los tiempos revolucionarios que vivía Europa. De esta época son las sonatas op. 13, “Patética”, de 1799, y la op. 27 Nº 2, “Claro de Luna”, de 1801.
Escribe, en 1819, en una carta al municipio de Viena: "Quiero demostrar que todo el que obra bondadosa y noblemente puede, por lo mismo, sobrellevar el infortunio"
Éxito y sufrimiento (1802-1824)
Beethoven hacia 1804, en la época de la Sonata Appassionata y de Fidelio. Decidido a « agarrar el destino por el cuello », compuso en el periodo de 1802 a 1812 una serie de obras brillantes y enérgicas características de su estilo « heroico ».
Muy pronto Beethoven dejó de necesitar de los conciertos y recitales de los salones de la corte para sobrevivir. Los editores se disputaban sus obras; además, la aristocracia austriaca, quizás avergonzada por la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart en la pobreza, le asignó una pensión anual. Mientras, por un lado, había resuelto sus necesidades económicas, por otro lado vivía asustado por la pérdida de sus capacidades auditivas; debido a ello se entregó a una febril actividad creadora, a la par de sus penalidades personales producidas por dos desengaños amorosos.
Beethoven no llegó a casarse nunca. Se le atribuyen varios romances, sobre todo entre damas de la nobleza. Quizá el gran amor de su vida fue Antonie von Birkenstock, casada con Franz Brentano y sobrina del poeta alemán Thomas Von Bullemore quien más tarde le acompañaría con la lírica de su única ópera, Fidelio. Luego todo terminaría mal, rompería con Antonie y por consiguiente su amistad con Thomas. Ya a los 26 años empezó a notar los síntomas de una sordera que más adelante sería total. A pesar de ello siguió componiendo, y las últimas obras fueron terminadas cuando ya se había quedado completamente sordo. Cuando Viena se enteró de su mal, el compositor recibió un golpe en su orgullo y en su situación financiera: los aristócratas no confiarían sus hijas a un sujeto huraño y, además, sordo.
La tragedia de su prematura sordera le causó un enorme desánimo (“qué gran humillación experimentaba cuando alguien estaba a mi lado oyendo desde lejos la flauta mientras yo, por el contrario, no podía oír nada… tales situaciones me llevaron al borde de la desesperación y faltó muy poco para que acabara con mi vida. Sólo la fuerza del arte me retuvo") agravado por la muerte de su hermano y su decisión de acoger a su sobrino en contra de la voluntad de su cuñada. En los años comprendidos entre 1810 y 1820 dedicó gran parte de sus energías y su tiempo a la batalla legal para ganar la custodia de su sobrino Karl; esfuerzo que le supuso dejar prácticamente de componer (a pesar de lo cuál cosechó sus dos mayores "éxitos" en esta época). En el testamento del hermano se le establecía a él como tutor de Karl, pero en el lecho de muerte a petición de la cuñada, se estableció una tutoría conjunta. Ludwig, quién aborrecía a su cuñada, tuvo que llevar su causa ante la justicia. Los tribunales ordinarios (recuérdese que su van no era indicativo de nobleza) no le conocían y le costaba hacer valer sus influencias. Además, la relación con su hijo adoptivo no era excelente: constantemente tenía que encontrarle nuevos tutores, ya que tenía conflictos con ellos; y éste escapaba con su madre y peleaba constantemente con el tío.
Sus apariciones en público eran cada vez más infrecuentes. El 22 de diciembre de 1808 Beethoven dio uno de sus últimos conciertos en vivo, una maratónica jornada que incluyó el estreno de la Fantasía para piano, orquesta y coro Op. 80, la Quinta y la Sexta sinfonías, el Concierto para piano nº 4 Op. 58, el aria Ah, perfido! y tres movimientos de la Misa en Do mayor Op. 86. El último concierto público de Beethoven parece ser el 11 de abril de 1814, y consistió en el estreno del Trío Op. 97, junto al violinista Ignaz Schuppanzigh y el cellista Joseph Lincke. De esta ejecución el compositor y violinista Ludwig Spotr escribió: "En los pasajes en forte el pobre hombre sordo aporreaba sobre las teclas haciendo que las cuerdas sonaran distorsionadas y en los pianos tocaba tan suave que grupos enteros de notas fueron omitidas."
La preocupación por el dinero, que acompañó a Beethoven desde los días de la infancia en que tuvo que proveer para la familia, le ocupa en este periodo como nunca. Los editores no pueden confiar en él, pues no cumple sus promesas de exclusividad y quiere constantemente más dinero por sus obras. Según su biógrafo, Emil Ludwig, de este periodo no hay ni una sola carta en la que no se trate, al menos tangencialmente, de problemas de dinero.
Al vencer en los tribunales con el caso de la custodia, se dedicó a su formación musical de Karl con falsas esperanzas.
En 1813 compuso su obra orquestal La Batalla de Vitoria o Sinfonía de la batalla en homenaje a la victoria sobre los ejércitos napoleónicos en Vitoria. Esta obra alcanzó gran popularidad y, además de volver verdaderamente famoso al compositor, le procuró grandes ingresos. Sin embargo, él mismo la calificó como "basura" (no diría algo así de ninguna otra obra suya) y hoy está completamente olvidada.
Después de 1815, Bonaparte es definitivamente derrotado y el canciller austríaco Metternich instaura un régimen policíaco para impedir rebrotes revolucionarios. Beethoven fue una voz crítica del régimen. En esta época su nombre era muy respetado en el Imperio y en Europa Occidental, sobre todo en Inglaterra, en parte gracias al éxito de La victoria de Wellington. Pero el ascenso de Rossini y la ópera italiana lo colocó en segundo plano.
6. Eran dos virtuosos de sus respectivos instrumentos.
7. Los sentimientos ante la razón. Los neoclásicos tenían vergüenza de hablar de ellos mismos, los románticos lo contrario y tenían una extrema subjetividad en individualismo. Los temas eran: Melancolía, busqueda de felicidad que normañmente es inalcanzable, el destino, el desengaño y la angustia de la vida cotidiana.
8. Lenguaje musical.
9. Piano, violín, Orquesta sinfónica,clarinete, etc. Pero o mais importante é o piano.
10. El Romanticismo abarca la primera mitad del siglo XIX, que es una etapa de fuertes tensiones políticas. Los conservadores defienden sus privilegios pero los liberales y progresistas luchan por suprimirlos. Se abre paso el laicismo y la masonería goza de gran influencia. El pensamiento católico tradicional se defiende frente a las nuevas ideas de los librepensadores y seguidores del filósofo alemán Krause. La clase obrera desencadena movimientos de protesta de signo anarquista y socialista, con huelgas y atentados. Mientras en Europa se desarrolla fuertemente la industria y se enriquece culturalmente, España ofrece la imagen de un país poco adelantado y que cada vez está más alejado de Europa.
11. Música programatica: es la música que tiene por objetivo evocar ideas o imágenes extra-musicales en la mente del oyente, representando musicalmente una escena, imagen o estado de ánimo. Al contrario, se entiende por música absoluta aquella que se aprecia por ella misma, sin ninguna referencia particular al mundo exterior a la propia música. El término se aplica exclusivamente en la tradición de la música clásica europea, particularmente en la música del periodo romántico del Siglo XIX, durante el cual el concepto va a coger gran popularidad, a pesar de que antes ya habían existido piezas de carácter descriptivo. Habitualmente el término se reserva a las obras puramente orquestales (piezas sin cantantes ni letra) y por lo tanto no es correcto utilizarlo para la ópera y los lieder.
12. Un poema sinfónico es una obra de origen extramusical, de carácter poético literario, cuya finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones. Generalmente consta de un solo movimiento y es escrito para orquesta, aunque puede ser distinto.El poema sinfonico se consolida a partir de la inspiración extramusical gestada durante el siglo XIX. Normalmente esta integrado por un solo movimiento para orquesta sinfonica, si bien también existen obras de estas características compuestas para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El poema sinfónico es una guía para el desarrollo de la forma musical como tal en términos técnicos. Franz Liszt, creador del género.
13. Lied (del alemán: Lied = canción, plural: Lieder) es el término de canción en el idioma alemán.
En la historia de la música clásica europea, el termino refiere a una composición, típica de los países germánicos y escrita para un cantante con acompañamiento de piano. Este tipo de composición, que surgió en la época clásica (1760 - 1820), floreció durante el Romanticismo y evolucionó durante el siglo XX. Es característico la brevedad de la forma, la renuncia al virtuosismo belcantistico, la estrecha relación con el poema y la fuerte influencia de la canción popular alemana (Volkslied).
El desarrollo de la forma iba mano a mano con el redescubrimiento de la cultura popular alemana como fuente de producción artística, como han sido las colecciones de cuentos (1812) de los Hermanos Grimm y la colección de poemas Des Knaben Wunderhorn (1805-1808) de Clemens Brentano y Achim von Arnim.
En la historia de la música clásica europea, se aplica el término alemán, porque los inicios y los primeros Lieder, fueron obras de compositores alemanes. En Alemania se aplica el término "Kunstlied" para distinguir el genero de la canción popular (Volkslied).
14. Ópera romántica (1800-1924)
En la ópera se tendió a relajar, romper o mezclar entre sí, las formas establecidas en el barroco o el clasicismo. Este proceso alcanzó su clímax con las óperas de Wagner, en las cuales las arias, coros, recitativos y piezas de conjunto, son difíciles de distinguir. Por el contrario, se busca un continuo fluir de la música.
También ocurrieron otros cambios. Los castrati desaparecieron y por tanto los tenores adquirieron roles más heroicos, y los coros se tornaron más importantes. A finales del período romántico, el verismo se popularizó en Italia, retratando en la ópera escenas realistas, más que históricas o mitológicas. En Francia la tendencia también se acogió, y quedaron ejemplos populares como Carmen de Bizet.
Muchos compositores del romanticismo, a partir de la segunda mitad del siglo XIX, escribieron música nacionalista, que tenía alguna conexión particular con su país. Esto se manifestó de varias maneras. Los temas de las óperas de Mikhail Glinka, por ejemplo, son específicamente rusos, mientras que Bedrich Smetana y Antonín Dvorák utilizaron ritmos y temas de las danzas y canciones populares checas. A finales del siglo XIX, Jean Sibelius escribió Kullervo, música basada en la épica finlandesa (la Kalevala) y su pieza Finlandia se convirtió en un símbolo del nacionalismo finés.
Instrumentación y escala
Como en otros períodos, la instrumentación siguió mejorándose durante el período romántico. Compositores como Hector Berlioz orquestaron sus obras de una forma nunca antes escuchada, dándole una nueva prominencia a los instrumentos de viento. El tamaño de la orquesta estándar aumentó, y se incluyeron instrumentos tales como el piccolo y corno inglés, que antes se utilizaban muy ocasionalmente. Mahler escribió su octava sinfonía, conocida como la Sinfonía de los miles, por la masa orquestal y coral que se requiere para interpretarla.
Además de necesitar una orquesta más grande, las obras del romanticismo tornáronse más largas. Una sinfonía típica de Haydn o Mozart puede durar aproximadamente veinte o veinticinco minutos. Ya la tercera sinfonía de Beethoven, que se suele considerar como del romanticismo inicial, dura alrededor de cuarenta y cinco minutos. Y esta tendencia creció notablemente en las sinfonías de Anton Bruckner y alcanzó sus cotas máximas en el caso de Mahler, con sinfonías que tienen una hora de duración (como es el caso de la primera y la cuarta) hasta sinfonías que duran más de una hora y media (como la segunda, tercera o novena).
Por otro lado, en el romanticismo creció la importancia del instrumentista virtuoso. El violinista Niccolò Paganini fue una de las estrellas musicales de principios de siglo. Liszt, además de ser un notable compositor, fue también un virtuoso del piano, muy popular. Durante las interpretaciones de los virtuosos, solían destacar más ellos que la música que estaban interpretando.
2.¿Cómo é unha cousa, unha paisaxe ou unha persoa romántica?
3.Neste período, o mundo artístico consideraba a música a máis perfecta de tódalas artes. ¿Por que?
4.A música deixa de ser un entretemento e o artística pasa de ser un artesán a ser un...
5.¿Por que se considera a Beethoven o primeiro romántico?
6.Paganini e Liszt eran...
7.¿Cales son os temas preferidos no Romanticismo?
8.As harmonías, melodía, ritmo e timbre eran...
9.¿Cal é o instrumento por excelencia nesta época? ¿Por que?
10.A partir de Beethoven a sinfonía segue por dous camiños: un conservador e outro profresista. ¿En que consistían estas dúas liñas de composición e que autores destacan en cada unha delas?
11.¿Que se entende por música programática?
12.¿Que é un poema sinfónico? ¿Quen foi o seu creador?
13.¿Que é un lied? Sinala un compositor de lieder importante.
14.Busca información sobre a ópera romántica e sobre Verdi (Italia), Wagner (Alemaña) e Bizet (Francia).
1. Para nosotros el Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dándole importancia al sentimiento.
2. El estilo vital de los autores románticos despreciaba el materialismo burgués y preconizaba el amor libre y el liberalismo en política, aunque hubo también un Romanticismo reaccionario, representado por Chateaubriand, que preconizaba la vuelta a los valores cristianos de la Edad Media. El idealismo extremo y exagerado que se buscaba en todo el Romanticismo encontraba con frecuencia un violento choque con la realidad miserable y materialista, lo que causaba con frecuencia que el romántico acabara con su propia vida mediante el suicidio. La mayoría de los románticos murieron jóvenes. Los románticos amaban la naturaleza frente a la civilización como símbolo de todo lo verdadero y genuino.
3. El romanticismo musical está relacionado con el romanticismo, la corriente de cambios en literatura, bellas artes y filosofía, aunque suele haber ligeras diferencias temporales, dado que el romanticismo en aquellas artes y en la filosofía se suele reconocer entre los años 1780 y 1840. El romanticismo como movimiento global en las artes y la filosofía, tiene como precepto que la verdad no podía ser deducida a partir de axiomas, en el mundo había realidades inevitables que sólo se podía captar mediante la emoción, el sentimiento y la intuición. La música del romanticismo intentaba expresar estas emociones y describir esas verdades más profundas, mientras preservaba o incluso expandía las estructuras formales del período clásico.
El término música romántica, que podría confundirse con la música del romanticismo, se entiende como toda música suave o con una atmósfera ensoñadora (no siempre ha de ser así). Ese término podría relacionarse con la palabra romántico que se estableció durante el romanticismo, pero no toda la música del romanticismo cumple con estas características. Del mismo modo, no toda la música romántica se puede relacionar con el período romántico.
4. Genio.
5. En 1792 el elector de Bonn vuelve a financiar un viaje a Viena, ciudad en la que permanecerá el resto de su vida componiendo, tratando de alcanzar un reconocimiento social a su persona por medio del arte y sufriendo un mal particularmente terrible para él: la sordera. Eran años en que las potencias monárquicas europeas se habían aliado para derrotar a la joven Francia revolucionaria. En una deslumbrante campaña en el norte de Italia, en la que el ejército austríaco es vencido, adquiere notoriedad Napoleón Bonaparte, que se va convirtiendo en un ídolo entre los sectores progresistas. En Viena recibe clases del célebre compositor Haydn (autor de 104 sinfonías) y de Salieri, operista italiano.
Durante este período tuvo varios duelos musicales con otros pianistas. El primero fue en 1792 durante un viaje con la orquesta de la corte, en éste tocó con Franz Sterkel, ejecutando obras de dicho compositor. En 1800, ocurre el famoso duelo (en el palacio de Lobkowitz) en el que Daniel Steibelt lo retó a que tocasen juntos. En dicha ocasión Beethoven tomó partituras de una obra de éste modificándolas (al mismo tiempo que las iba tocando) con tanta gracia, que Steibelt declaró que no volvería a Viena mientras Beethoven viviera allí y abandonó la ciudad, radicándose en Paris.
Con 25 años da a conocer sus primeras obras importantes: tres tríos para piano (Opus 1) y tres sonatas para piano (Opus 2), de 1796; además ofrece su primer concierto público como compositor profesional. Viena acoge su música, en especial la corte, la nobleza y la iglesia. Por esa época se desliga de Haydn, con el que no concuerda musicalmente pero a quien, a pesar de esto, dedica los tres tríos. Secuencialmente recibe clases secretas de Schenk y del organista de la corte Albrechtsberger; deja de escribir para la nobleza y para la iglesia y se establece como compositor independiente. Su música inicial, fresca y ligera, cambia para convertirse en épica y turbulenta, muy acorde con los tiempos revolucionarios que vivía Europa. De esta época son las sonatas op. 13, “Patética”, de 1799, y la op. 27 Nº 2, “Claro de Luna”, de 1801.
Escribe, en 1819, en una carta al municipio de Viena: "Quiero demostrar que todo el que obra bondadosa y noblemente puede, por lo mismo, sobrellevar el infortunio"
Éxito y sufrimiento (1802-1824)
Beethoven hacia 1804, en la época de la Sonata Appassionata y de Fidelio. Decidido a « agarrar el destino por el cuello », compuso en el periodo de 1802 a 1812 una serie de obras brillantes y enérgicas características de su estilo « heroico ».
Muy pronto Beethoven dejó de necesitar de los conciertos y recitales de los salones de la corte para sobrevivir. Los editores se disputaban sus obras; además, la aristocracia austriaca, quizás avergonzada por la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart en la pobreza, le asignó una pensión anual. Mientras, por un lado, había resuelto sus necesidades económicas, por otro lado vivía asustado por la pérdida de sus capacidades auditivas; debido a ello se entregó a una febril actividad creadora, a la par de sus penalidades personales producidas por dos desengaños amorosos.
Beethoven no llegó a casarse nunca. Se le atribuyen varios romances, sobre todo entre damas de la nobleza. Quizá el gran amor de su vida fue Antonie von Birkenstock, casada con Franz Brentano y sobrina del poeta alemán Thomas Von Bullemore quien más tarde le acompañaría con la lírica de su única ópera, Fidelio. Luego todo terminaría mal, rompería con Antonie y por consiguiente su amistad con Thomas. Ya a los 26 años empezó a notar los síntomas de una sordera que más adelante sería total. A pesar de ello siguió componiendo, y las últimas obras fueron terminadas cuando ya se había quedado completamente sordo. Cuando Viena se enteró de su mal, el compositor recibió un golpe en su orgullo y en su situación financiera: los aristócratas no confiarían sus hijas a un sujeto huraño y, además, sordo.
La tragedia de su prematura sordera le causó un enorme desánimo (“qué gran humillación experimentaba cuando alguien estaba a mi lado oyendo desde lejos la flauta mientras yo, por el contrario, no podía oír nada… tales situaciones me llevaron al borde de la desesperación y faltó muy poco para que acabara con mi vida. Sólo la fuerza del arte me retuvo") agravado por la muerte de su hermano y su decisión de acoger a su sobrino en contra de la voluntad de su cuñada. En los años comprendidos entre 1810 y 1820 dedicó gran parte de sus energías y su tiempo a la batalla legal para ganar la custodia de su sobrino Karl; esfuerzo que le supuso dejar prácticamente de componer (a pesar de lo cuál cosechó sus dos mayores "éxitos" en esta época). En el testamento del hermano se le establecía a él como tutor de Karl, pero en el lecho de muerte a petición de la cuñada, se estableció una tutoría conjunta. Ludwig, quién aborrecía a su cuñada, tuvo que llevar su causa ante la justicia. Los tribunales ordinarios (recuérdese que su van no era indicativo de nobleza) no le conocían y le costaba hacer valer sus influencias. Además, la relación con su hijo adoptivo no era excelente: constantemente tenía que encontrarle nuevos tutores, ya que tenía conflictos con ellos; y éste escapaba con su madre y peleaba constantemente con el tío.
Sus apariciones en público eran cada vez más infrecuentes. El 22 de diciembre de 1808 Beethoven dio uno de sus últimos conciertos en vivo, una maratónica jornada que incluyó el estreno de la Fantasía para piano, orquesta y coro Op. 80, la Quinta y la Sexta sinfonías, el Concierto para piano nº 4 Op. 58, el aria Ah, perfido! y tres movimientos de la Misa en Do mayor Op. 86. El último concierto público de Beethoven parece ser el 11 de abril de 1814, y consistió en el estreno del Trío Op. 97, junto al violinista Ignaz Schuppanzigh y el cellista Joseph Lincke. De esta ejecución el compositor y violinista Ludwig Spotr escribió: "En los pasajes en forte el pobre hombre sordo aporreaba sobre las teclas haciendo que las cuerdas sonaran distorsionadas y en los pianos tocaba tan suave que grupos enteros de notas fueron omitidas."
La preocupación por el dinero, que acompañó a Beethoven desde los días de la infancia en que tuvo que proveer para la familia, le ocupa en este periodo como nunca. Los editores no pueden confiar en él, pues no cumple sus promesas de exclusividad y quiere constantemente más dinero por sus obras. Según su biógrafo, Emil Ludwig, de este periodo no hay ni una sola carta en la que no se trate, al menos tangencialmente, de problemas de dinero.
Al vencer en los tribunales con el caso de la custodia, se dedicó a su formación musical de Karl con falsas esperanzas.
En 1813 compuso su obra orquestal La Batalla de Vitoria o Sinfonía de la batalla en homenaje a la victoria sobre los ejércitos napoleónicos en Vitoria. Esta obra alcanzó gran popularidad y, además de volver verdaderamente famoso al compositor, le procuró grandes ingresos. Sin embargo, él mismo la calificó como "basura" (no diría algo así de ninguna otra obra suya) y hoy está completamente olvidada.
Después de 1815, Bonaparte es definitivamente derrotado y el canciller austríaco Metternich instaura un régimen policíaco para impedir rebrotes revolucionarios. Beethoven fue una voz crítica del régimen. En esta época su nombre era muy respetado en el Imperio y en Europa Occidental, sobre todo en Inglaterra, en parte gracias al éxito de La victoria de Wellington. Pero el ascenso de Rossini y la ópera italiana lo colocó en segundo plano.
6. Eran dos virtuosos de sus respectivos instrumentos.
7. Los sentimientos ante la razón. Los neoclásicos tenían vergüenza de hablar de ellos mismos, los románticos lo contrario y tenían una extrema subjetividad en individualismo. Los temas eran: Melancolía, busqueda de felicidad que normañmente es inalcanzable, el destino, el desengaño y la angustia de la vida cotidiana.
8. Lenguaje musical.
9. Piano, violín, Orquesta sinfónica,clarinete, etc. Pero o mais importante é o piano.
10. El Romanticismo abarca la primera mitad del siglo XIX, que es una etapa de fuertes tensiones políticas. Los conservadores defienden sus privilegios pero los liberales y progresistas luchan por suprimirlos. Se abre paso el laicismo y la masonería goza de gran influencia. El pensamiento católico tradicional se defiende frente a las nuevas ideas de los librepensadores y seguidores del filósofo alemán Krause. La clase obrera desencadena movimientos de protesta de signo anarquista y socialista, con huelgas y atentados. Mientras en Europa se desarrolla fuertemente la industria y se enriquece culturalmente, España ofrece la imagen de un país poco adelantado y que cada vez está más alejado de Europa.
11. Música programatica: es la música que tiene por objetivo evocar ideas o imágenes extra-musicales en la mente del oyente, representando musicalmente una escena, imagen o estado de ánimo. Al contrario, se entiende por música absoluta aquella que se aprecia por ella misma, sin ninguna referencia particular al mundo exterior a la propia música. El término se aplica exclusivamente en la tradición de la música clásica europea, particularmente en la música del periodo romántico del Siglo XIX, durante el cual el concepto va a coger gran popularidad, a pesar de que antes ya habían existido piezas de carácter descriptivo. Habitualmente el término se reserva a las obras puramente orquestales (piezas sin cantantes ni letra) y por lo tanto no es correcto utilizarlo para la ópera y los lieder.
12. Un poema sinfónico es una obra de origen extramusical, de carácter poético literario, cuya finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones. Generalmente consta de un solo movimiento y es escrito para orquesta, aunque puede ser distinto.El poema sinfonico se consolida a partir de la inspiración extramusical gestada durante el siglo XIX. Normalmente esta integrado por un solo movimiento para orquesta sinfonica, si bien también existen obras de estas características compuestas para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El poema sinfónico es una guía para el desarrollo de la forma musical como tal en términos técnicos. Franz Liszt, creador del género.
13. Lied (del alemán: Lied = canción, plural: Lieder) es el término de canción en el idioma alemán.
En la historia de la música clásica europea, el termino refiere a una composición, típica de los países germánicos y escrita para un cantante con acompañamiento de piano. Este tipo de composición, que surgió en la época clásica (1760 - 1820), floreció durante el Romanticismo y evolucionó durante el siglo XX. Es característico la brevedad de la forma, la renuncia al virtuosismo belcantistico, la estrecha relación con el poema y la fuerte influencia de la canción popular alemana (Volkslied).
El desarrollo de la forma iba mano a mano con el redescubrimiento de la cultura popular alemana como fuente de producción artística, como han sido las colecciones de cuentos (1812) de los Hermanos Grimm y la colección de poemas Des Knaben Wunderhorn (1805-1808) de Clemens Brentano y Achim von Arnim.
En la historia de la música clásica europea, se aplica el término alemán, porque los inicios y los primeros Lieder, fueron obras de compositores alemanes. En Alemania se aplica el término "Kunstlied" para distinguir el genero de la canción popular (Volkslied).
14. Ópera romántica (1800-1924)
En la ópera se tendió a relajar, romper o mezclar entre sí, las formas establecidas en el barroco o el clasicismo. Este proceso alcanzó su clímax con las óperas de Wagner, en las cuales las arias, coros, recitativos y piezas de conjunto, son difíciles de distinguir. Por el contrario, se busca un continuo fluir de la música.
También ocurrieron otros cambios. Los castrati desaparecieron y por tanto los tenores adquirieron roles más heroicos, y los coros se tornaron más importantes. A finales del período romántico, el verismo se popularizó en Italia, retratando en la ópera escenas realistas, más que históricas o mitológicas. En Francia la tendencia también se acogió, y quedaron ejemplos populares como Carmen de Bizet.
Muchos compositores del romanticismo, a partir de la segunda mitad del siglo XIX, escribieron música nacionalista, que tenía alguna conexión particular con su país. Esto se manifestó de varias maneras. Los temas de las óperas de Mikhail Glinka, por ejemplo, son específicamente rusos, mientras que Bedrich Smetana y Antonín Dvorák utilizaron ritmos y temas de las danzas y canciones populares checas. A finales del siglo XIX, Jean Sibelius escribió Kullervo, música basada en la épica finlandesa (la Kalevala) y su pieza Finlandia se convirtió en un símbolo del nacionalismo finés.
Instrumentación y escala
Como en otros períodos, la instrumentación siguió mejorándose durante el período romántico. Compositores como Hector Berlioz orquestaron sus obras de una forma nunca antes escuchada, dándole una nueva prominencia a los instrumentos de viento. El tamaño de la orquesta estándar aumentó, y se incluyeron instrumentos tales como el piccolo y corno inglés, que antes se utilizaban muy ocasionalmente. Mahler escribió su octava sinfonía, conocida como la Sinfonía de los miles, por la masa orquestal y coral que se requiere para interpretarla.
Además de necesitar una orquesta más grande, las obras del romanticismo tornáronse más largas. Una sinfonía típica de Haydn o Mozart puede durar aproximadamente veinte o veinticinco minutos. Ya la tercera sinfonía de Beethoven, que se suele considerar como del romanticismo inicial, dura alrededor de cuarenta y cinco minutos. Y esta tendencia creció notablemente en las sinfonías de Anton Bruckner y alcanzó sus cotas máximas en el caso de Mahler, con sinfonías que tienen una hora de duración (como es el caso de la primera y la cuarta) hasta sinfonías que duran más de una hora y media (como la segunda, tercera o novena).
Por otro lado, en el romanticismo creció la importancia del instrumentista virtuoso. El violinista Niccolò Paganini fue una de las estrellas musicales de principios de siglo. Liszt, además de ser un notable compositor, fue también un virtuoso del piano, muy popular. Durante las interpretaciones de los virtuosos, solían destacar más ellos que la música que estaban interpretando.
miércoles, 26 de marzo de 2008
Mercedes Peón
MERCEDES PEÓN
Mercedes Peón é unha cantante e instrumentista galega. Fíxose moi popular como presentadora do programa de entretenimento Luar (TVG) no que traballou mostrando as súas investigación de máis de 10 anos percorrendo as aldeas galegas na busca da tradición oral e as músicas máis ancestrais. As súas primeiras grabacións foron colaboración con outros artistas galegos como Xosé Manuel Budiño, Os Diplomático de Monte-Alto ou co antigo grupo de Manu Chao, Mano Negra. Nesta altura formou o grupo Ajrú co que únicamente grabaría uns temas recollidos no compilatorio "Naciones Celtas II". Probablemente o seu tema máis popular sexa Adoro Galiza que foi o tema principal da serie Mareas vivas (TVG).
Mercedes peón participou en dúas edicións do Festival de Ortigueira, nos anos 2002 e 2007.
Discografía
Isué
O primeiro disco de Mercedes Peón é Isué (2000), no que conta coa colaboración de importantes artistas galegos como Xosé Manuel Budiño ou Anxo Pintos (Berrogüetto). Os temas deste álbum son:
1 Isué
2 Sombra e Luz
3 Non me mires
4 Marabilla
5 De seu
6 Cantar de bois
7 Deixa
8 Elelé
9 Serea
10 Adorro
11 O mar
Ajrú
O segundo é Ajrú (2003):
1 Neninue
2 E xera
3 Maria 2
4 Ese es ti
5 Ajru (primeira parte)
6 Ajru (segunda parte)
7 Nanareggae
8 Maria 1
9 O meu amigo - Etnica
10 Momentos
11 Marmuladora
Sihá
O terceiro disco é Sihá (2007):
1 Ben linda
2 Ingravida
3 Aiché
4 Carencias
5 A mina
6 Igualiña que os antigos
7 Parala
8 Intermezzo
9 As ás
10 Ajarrate
Mercedes peón participou en dúas edicións do Festival de Ortigueira, nos anos 2002 e 2007.
Discografía
Isué
O primeiro disco de Mercedes Peón é Isué (2000), no que conta coa colaboración de importantes artistas galegos como Xosé Manuel Budiño ou Anxo Pintos (Berrogüetto). Os temas deste álbum son:
1 Isué
2 Sombra e Luz
3 Non me mires
4 Marabilla
5 De seu
6 Cantar de bois
7 Deixa
8 Elelé
9 Serea
10 Adorro
11 O mar
Ajrú
O segundo é Ajrú (2003):
1 Neninue
2 E xera
3 Maria 2
4 Ese es ti
5 Ajru (primeira parte)
6 Ajru (segunda parte)
7 Nanareggae
8 Maria 1
9 O meu amigo - Etnica
10 Momentos
11 Marmuladora
Sihá
O terceiro disco é Sihá (2007):
1 Ben linda
2 Ingravida
3 Aiché
4 Carencias
5 A mina
6 Igualiña que os antigos
7 Parala
8 Intermezzo
9 As ás
10 Ajarrate
Recoñecementos
É unha das artistas galegas máis destacadas dos primeiros anos do século XXI e ten recibido recoñecimentos a nivel internacional no ámbito da música de folk como son o premio a mellor disco da revista Folkworld (2000) polo disco Isué e foi finalista na categoría de mellor artista do ano (2000) nos premios da radio BBC.
Mercedes Peón en el Festival Israel
Mercedes Peón y su grupo, formado por siete intérpretes,
actuarán en el marco del muy prestigioso Festival
Israel, el mayor festival internacional de la música y de
artes escénicas que se celebra en el país anualmente.
La artista gallega presentará Ajrú, un moderno espectáculo
musical pleno de dinamismo que atrae a todos los públicos,
en el que se mezclan ritmos frenéticos con melodías
intimistas y donde se fusionan los sonidos tradicionales
de Galicia con los más vanguardistas.
Mercedes Peón es una de las artistas de mayor proyección
dentro del llamado «fenómeno de músicas del mundo».
Regularmente Peón se presenta en los mejores escenarios
de España y ha actuado en los principales festivales europeos
como el Dranouter E Sfink en Bélgica, el Festival
intercéltico de Lorient en Francia, o el portugués Sete Sóis
e Sete Lúas.
El concierto, organizado por el Instituto Cervantes de Israel,
se celebrará el 28 de mayo en el Teatro Yerushalaim.
Mercedes Peón en el Festival Israel
Mercedes Peón y su grupo, formado por siete intérpretes,
actuarán en el marco del muy prestigioso Festival
Israel, el mayor festival internacional de la música y de
artes escénicas que se celebra en el país anualmente.
La artista gallega presentará Ajrú, un moderno espectáculo
musical pleno de dinamismo que atrae a todos los públicos,
en el que se mezclan ritmos frenéticos con melodías
intimistas y donde se fusionan los sonidos tradicionales
de Galicia con los más vanguardistas.
Mercedes Peón es una de las artistas de mayor proyección
dentro del llamado «fenómeno de músicas del mundo».
Regularmente Peón se presenta en los mejores escenarios
de España y ha actuado en los principales festivales europeos
como el Dranouter E Sfink en Bélgica, el Festival
intercéltico de Lorient en Francia, o el portugués Sete Sóis
e Sete Lúas.
El concierto, organizado por el Instituto Cervantes de Israel,
se celebrará el 28 de mayo en el Teatro Yerushalaim.
Sihá, que sale en Discotrompo, el sello de la cantante coruñesa, incluye diez composiciones propias grabadas casi íntegramente en la casa-estudio de Peón. Los músicos de Sihá son Pako Dicenta (bajo eléctrico, guitarra y percusiones), Ezequiel Orol (guitarra), Fernando Abreu (clarinetes), Luis Alberto Lar (batería, tubo, iembé, dilleridú), Silvia Mondino (violín), Xosé Lois Romero (acordeón), Virxilio da Silva (guitarra), Xabier Pereiro (trompeta), O Pobo de Fradelo (bombo, sacos y legóns), Fernando Martínez (acordeón y teclas). Peón, que vuelve a experimentar con percusiones tradicionales y programadas, destaca también el papel "inestimable" de Nacho Muñoz como coproductor y programador.
Tras más de 20 años recorriendo Galicia en busca de sonidos tradicionales (posee más de 1.000 grabaciones), el debú de Peón en 2000 fue una de las puntas de lanza del último bum del folk gallego. Isué fue elegido mejor disco europeo del año por la revista especializada Folkworld y se mantuvo durante meses entre los diez primeros de la lista de Songline, mientras la BBC la convertía en una de las artistas destacadas del año. La cantante que se hizo visible a través de Luar, el programa de TVG, es desde entonces invitada recurrente en los principales festivales del folk europeo.
Desde que integraba el grupo de pandereteiras Xiradela, la propuesta de Peón pasa por recuperar la música tradicional desde una mirada contemporánea. Consciente de facturar una música "libre", Peón afirma sentirse "realizada" con Sihá. Su idea para dignificar el patrimonio musical sigue siendo la misma: introducirlo en los colegios y buscar contextos naturales para su realización. No le preocupa, según dice, la "omisión cultural". A la BBC, añade, tampoco.
Tras más de 20 años recorriendo Galicia en busca de sonidos tradicionales (posee más de 1.000 grabaciones), el debú de Peón en 2000 fue una de las puntas de lanza del último bum del folk gallego. Isué fue elegido mejor disco europeo del año por la revista especializada Folkworld y se mantuvo durante meses entre los diez primeros de la lista de Songline, mientras la BBC la convertía en una de las artistas destacadas del año. La cantante que se hizo visible a través de Luar, el programa de TVG, es desde entonces invitada recurrente en los principales festivales del folk europeo.
Desde que integraba el grupo de pandereteiras Xiradela, la propuesta de Peón pasa por recuperar la música tradicional desde una mirada contemporánea. Consciente de facturar una música "libre", Peón afirma sentirse "realizada" con Sihá. Su idea para dignificar el patrimonio musical sigue siendo la misma: introducirlo en los colegios y buscar contextos naturales para su realización. No le preocupa, según dice, la "omisión cultural". A la BBC, añade, tampoco.
lunes, 3 de marzo de 2008
Síntonia partidos políticos
Partido Popular
El PP estrenará esta noche en el mitin que Mariano Rajoy ofrecerá en Murcia una nueva sintonía electoral, titulada 'Revolución popular', en la que llama a la "revuelta popular", invita a "un proyecto de justicia y libertad" y asegura que la historia está de "nuestra parte".
La canción que sonará a partir de ahora en los actos de campaña del PP ha sido compuesta por un simpatizante de Nuevas Generaciones, del que sólo se conoce que ejerce de abogado y que es miembro de un grupo que toca en locales los fines de semana.
La letra completa de la canción es la siguiente:
"Si tienes nuevas ideas, y piensas que algo debe cambiar, si crees que todo es posible, ven a la revuelta popular. Buscamos gente valiente, soñadores que puedan imaginar, soñar con una España nueva, vivir un mundo de igualdad.
Uniremos nuestras ilusiones, lucharemos por defender nuestros valores. Por el futuro de los españoles avanzaremos en todasdirecciones. Sabes que es nuestro momento, no podemos dejarlo escapar. No, no esperes más tiempo, ahora te tienes que mojar.
Uniremos nuestras ilusiones, lucharemos por defender nuestros valores. Por el futuro de los españoles, avanzaremos en todas direcciones.
Hoy queremos invitarte a un proyecto de justicia y libertad, la historia está de nuestra parte, juntos vamos a revolucionar. Habrá que currar muy duro, no nos lo van a regalar. Somos la apuesta del futuro, nos llaman Partido Popular.
Uniremos nuestras ilusiones, lucharemos por defender nuestros valores. Por el futuro de los españoles, avanzaremos en todas direcciones.
Con cabeza y con corazón, viviremos todos esta canción. Con cabeza y con corazón montaremos esta revolución".
La canción que sonará a partir de ahora en los actos de campaña del PP ha sido compuesta por un simpatizante de Nuevas Generaciones, del que sólo se conoce que ejerce de abogado y que es miembro de un grupo que toca en locales los fines de semana.
La letra completa de la canción es la siguiente:
"Si tienes nuevas ideas, y piensas que algo debe cambiar, si crees que todo es posible, ven a la revuelta popular. Buscamos gente valiente, soñadores que puedan imaginar, soñar con una España nueva, vivir un mundo de igualdad.
Uniremos nuestras ilusiones, lucharemos por defender nuestros valores. Por el futuro de los españoles avanzaremos en todasdirecciones. Sabes que es nuestro momento, no podemos dejarlo escapar. No, no esperes más tiempo, ahora te tienes que mojar.
Uniremos nuestras ilusiones, lucharemos por defender nuestros valores. Por el futuro de los españoles, avanzaremos en todas direcciones.
Hoy queremos invitarte a un proyecto de justicia y libertad, la historia está de nuestra parte, juntos vamos a revolucionar. Habrá que currar muy duro, no nos lo van a regalar. Somos la apuesta del futuro, nos llaman Partido Popular.
Uniremos nuestras ilusiones, lucharemos por defender nuestros valores. Por el futuro de los españoles, avanzaremos en todas direcciones.
Con cabeza y con corazón, viviremos todos esta canción. Con cabeza y con corazón montaremos esta revolución".
PSOE
lunes, 18 de febrero de 2008
O Clasicismo
1. ¿Cómo era la sociedad de aquel momento? ¿Qué destacaríais para definirla?
2. ¿Con qué otro nombre se conoce al Clasicismo? ¿Por qué?
3. ¿Por qué se llama a esta época Clasicismo?
4. ¿Cuál es su periodización?
5. Características que definen la música de esta época: melodía, ritmo, textura, instrumentos y forma musical (la sonata).
6. Señala un instrumento importante en esta época y di el por qué.
7. ¿Qué instrumentos forman y formaban la orquesta clásica?
8. ¿Y un cuarteto de cuerda?
9. ¿Qué es una sonata, una sinfonía y un cuarteto?
10. ¿Quiénes formaban la 1ª Escuela de Viena?
11. Datos curiosos sobre Mozart, Haydn y Beethoven.
1. Es la sociedad en la que todo gira alrededor del hombre (antropocentrismo), se basa en la razon en contraposicion con el barroco que se basaba en dios y en la religión (teocentrismo).
2. Se conoce también con el nombre de el siglo de las luces, en el que hace referencia a esa iluminacion como corriente intelectual de pensamiento.
3. Se vuelve a los valores clásicos y se retoman los ideales griegos de aquella época.
4. Durante casi todo el siglo XVIII y que abarca desde el Racionalismo y el Empirismo del siglo XVII hasta la Revolución Industrial del siglo XVIII, la Revolución Francesa y el Liberalismo.
5. Música: polifonía, textura: es vertical u homofónica, forma: aparece la forma sonata con esquema ABA, sinfonía: es un concierto solo para orquesta. también es en forma de sonata.
ritmo: Se pierde el ritmo mecanico barroco.
6. Piano: Porque es un instrumento muy utilizado y muy clásico propio del clasicismo.
7. A mediados del siglo XVIII se inicia lo que podríamos llamar proceso de «estandarización» de la orquesta. De manera paulatina, los instrumentos van siendo anotados explícitamente en la partitura, con lo que se deja de lado, cada vez en mayor medida, la tendencia a la accidentalidad de las épocas anteriores. Aproximadamente entre 1750 y 1800 se asiste a la consolidación de la orquesta sinfónica; a partir de entonces este conjunto, con bases específicas en cuanto a su constitución, se desarrollará tanto cuantitativa como cualitativamente (mejoras técnicas y, por lo tanto, cambios relevantes en el sonido de los instrumentos), proporcionando la total variedad de giros orquestales conocidos en el siglo XIX y en el XX.
Dos fueron los centros de producción musical más importantes de aquella época, catalizadores del «nuevo estilo» y forjadores de la sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta: Mannheim y Viena. En estas ciudades, más que en cualquier otro sitio, se fraguó la realidad de la forma sinfonía. Mannheim disponía de unos excelentes medios materiales para experimentar en este campo: una orquesta disciplinada y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart. La orquesta fue conocida por la utilización de unos recursos, como el llamado crescendo Mannheim, que en realidad no fue invención de los miembros de este grupo. Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz (1717-57), también fructífero compositor que introdujo notables cambios tanto en el arte de la instrumentación como en los motivos musicales básicos del material sinfónico. En Viena destacaron una serie de compositores a los que, por lo general, no se ha tenido demasiado en cuenta, como Matthias Georg Monn (1717-50), considerado el más importante por sus aportaciones al concepto estructural de la sinfonía. Pero fue con Haydn y Mozart con quienes esta forma alcanzó el desarrollo que llevó directamente a las realizaciones beethovenianas.
A principios del período clásico, la orquesta estaba compuesta por dos oboes, dos trompas y el grupo de cuerdas. Poco a poco se fueron incorporando otros instrumentos de viento, como las flautas traveseras -por estas fechas la flauta y el oboe eran tocados por un mismo instrumentista- y las trompetas. Como elemento de precisión rítmica se hizo uso de los timbales. Los trombones, en cambio, no tuvieron lugar en la orquesta sinfónica; su utilización quedó relegada a la música sacra -en la que doblaban las partes de contralto, tenor y bajo- y a la ópera. El fagot, que no siempre estaba escrito en la partitura fue utilizado regularmente y adquirió a finales del clasicismo, cierta autonomía, alejándose así de la simple función de duplicar la línea del bajo que se le había encomendado en un principio.
Las trompas y las trompetas pasaron a ocupar el papel de «pedales de la orquesta», con lo que el bajo continuo vio disminuido su papel. De hecho, la desa parición del continuo comenzó hacia 1760, aunque no fue totalmente abolido en la práctica musical hasta finales del siglo XVIII.
El órgano y el clave, como sustentadores del desarrollo armónico, cumplieron, aún durante algún tiempo, un significativo papel en la música sacra y en la realización del recitativo seco. El clave se sobreentendía en la ejecución de la música sinfónica, sobre todo en la fase temprana del clasicismo, cuando los instrumentos de la orquesta no asumían la totalidad de las relaciones armónicas.
El compositor actuaba como director desde el clave, concertando a los distintos grupos instrumentales. No era otra cosa lo que Haydn hacía cuando dirigía a la orquesta de los Esterházy. Y desde el clave dirigió sus últimas obras cuando, en 1791, se presentó en Londres. Sólo la participación activa de los instrumentos de la orquesta hará comprensible el discurso armónico, lo cual, unido a la nueva concepción del lenguaje musical, acabará desterrando definitivamente el uso del bajo continuo.
Uno de los instrumentos que tendrán una prodigiosa evolución a través de los diferentes usos que de él se han hecho a lo largo de su historia, va a hacer su aparición gradual a partir de 1750. Este instrumento fue el clarinete. Al parecer, la ascendencia del clarinete se encuentra en la familia del chalumeau, grupo que cuenta con varios instrumentos de diversos tipos y tamaños. El clarinete fue empleado de manera intermitente en la primera mitad del siglo XVIll -se dice que la primera mención de este instrumento en una partitura, concretamente en una misa de Faber, data de 1720-. Sin embargo, compositores como Haendel y Rameau lo incluyeron en muy pocas obras. En cambio la renombrada Orquesta de Mannheim lo convirtió en instrumento fijo, incorporando dos al conjunto hacia 1758. Pero fue Mozart quien, a finales de siglo, abrió el camino a este instrumento.
8. En música clásica, el cuarteto de cuerda es una formación de música de cámara compuesta de 2 violines, una viola y un violonchelo.
9. Sonata: Sonata es el nombre dado a distintas formas musicales, empleadas desde el período barroco hasta las experiencias más rupturísticas de la música contemporánea.
Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto a una pieza musical completa, como a un procedimiento compositivo que utiliza dos temas generalmente contrastantes. Este procedimiento es conocido como "forma sonata".
Sínfonia: Una sinfonía es una obra para orquesta, usualmente separada en cuatro movimientos, cada uno con un tempo y estructura diferente. La forma de la sinfonía ha variado con el tiempo.
El tamaño de la orquesta necesaria para interpretar una sinfonía, en general, ha crecido con el tiempo: mientras una orquesta de cámara con un par de docenas de instrumentos es suficiente para interpretar una sinfonía de Joseph Haydn, una de Gustav Mahler puede requerir varios centenares de intérpretes.
La sinfonía probablemente alcanzó su madurez con Ludwig van Beethoven. Sus sinfonías usualmente tenían un primer movimiento Allegro de forma sonata, un movimiento lento (a veces en forma de tema y variaciones), un movimiento con ritmo ternario (usualmente un scherzo, anteriormente lo común era un minué y trío), para finalizar con otro movimiento rápido (rondó, existen sinfonías con un último movimiento escrito como forma sonata).
A pesar de que hasta ese momento las sinfonías eran obras puramente orquestales, la última sinfonía de Beethoven, su Novena Sinfonía concluye con un movimiento para orquesta, coro y solistas. Gustav Mahler incluiría frecuentemente coros y solistas en sus sinfonías.
Cuarteto:En música instrumental, un cuarteto es una formación camerística constituida por cuatro instrumentos. Por extensión se puede aplicar a las composiciones para estas formaciones.
Habitualmente se refieren a cuartetos de cuerda —aunque existen también de otras instrumentaciones, como saxos, por ejemplo— formados por dos violines, una viola, y un violonchelo, formación que es la más habitual y que fue inventada por Haydn.
El creador del género fue el austriaco Joseph Haydn (1732-1809), que compuso 84 obras para cuarteto de cuerda, la mayoría de las cuales se ejecutan habitualmente. Wolfgang Amadeus Mozart contribuyó con 23 obras y Ludwig van Beethoven con 17 cuartetos, que son una de las cumbres del género.
La literatura musical que aborda el género de los cuartetos es amplísima, destacando figuras como Haydn, Mahler, Mozart, Beethoven, Shostakovich. Ha sido, así mismo, utilizado por los compositores (especialmente por Beethoven), como un vehículo personalísimo de expresión musical.
10. La Escuela austríaca, también denominada Escuela de Viena, es una escuela de pensamiento económico que se opone a la utilización de los métodos de las ciencias naturales para el estudio de las acciones humanas, y prefiere utilizar métodos lógicos y la introspección, lo que se denomina individualismo metodológico.
Su origen se halla en el debate metodológico con la Escuela Histórica Alemana, que en un ánimo historicista intentaba confinar las leyes del mercado a diferentes etapas de la historia. Los 3 autores principales son Mozart, Hayden, beethoven.
11. Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, más conocido con el nombre de Wolfgang Amadeus Mozart (Salzburgo, Arzobispado de Salzburgo, Sacro Imperio Romano Germánico, actual Austria, 27 de enero de 1756 - Viena, Archiducado de Austria, Sacro Imperio Romano Germánico 5 de diciembre de 1791), es considerado como uno de los más grandes compositores de música clásica del mundo occidental.
Se mostró siempre como un gran teórico e innovador de la composición musical. Su marcado perfeccionismo lo manifestaría al escribir, a la edad de 22 años, la siguiente frase: "Me gusta que un aria quede tan a la medida de un cantante como un traje bien hecho". Según el testimonio de sus contemporáneos era, tanto al piano como al violín y la viola, un virtuoso.
Posteriormente artistas de distintas épocas y géneros del arte han sido influenciados por su música. Incluso el premio Nobel 1984, el poeta checo Jaroslav Seifert, llegaría a afirmar que ésta inspiró a la composición de sus versos.
Estudios realizados durante la década pasada atribuyen a su música, en especial a la sonata K.448, diversas cualidades como la de incrementar algunas capacidades del cerebro, así como también, disminuir la actividad epileptógena. Esto ha sido calificado como el "efecto Mozart", el cual se sostiene tendría una duración de 15 minutos.
A pesar de que murió muy joven (apenas a los 35 años), nos ha legado una obra muy importante y que abarca todos los géneros musicales de su época.
Franz Joseph Haydn (Rohrau an der Keitha, 31 de marzo de 1732 - Viena, 31 de mayo de 1809) compositor de música clásica, es uno de los máximos representantes del periodo clasicista, además de ser conocido como el "Padre de la Sinfonía" y el "Padre del Cuarteto de Cuerda".
Su hermano Michael también fue compositor, aunque menos conocido.
Nació en Rohrau, una pequeña población cercana a Viena en la actual república de (Austria), antigua capital del Imperio Austríaco , y cerca de la frontera con Hungría, en 1732, y fue el segundo de los doce hijos de Matthias Haydn y Anna Maria Koller. El padre era fabricante y reparador de carros al servicio del conde Harrach.
Entró como niño cantor en el coro de la Catedral de San Esteban en Viena donde estuvo durante nueve años, hasta que en 1749 Haydn alcanzó la edad en la que ya no pudo cantar tonos agudos, por lo que fue despedido del coro. Unos amigos lo acogieron en su casa, y decidió convertirse en músico independiente, transcurriendo diez años difíciles, destacando el ser sirviente del compositor italiano Nicola Porpora. Haydn sacó partido de estos años al ir adquiriendo mayores conocimientos musicales, hasta el punto que compuso sus primeros cuartetos de cuerdas y su primera ópera, además de que su reputación como compositor empezó a crecer y se hizo conocido de personas influyentes de Viena.
Al final de este período, en 1759, Haydn recibió una oferta de empleo importante, que fue la de director musical del conde Morzin. Al mismo tiempo componía, y escribió sus primeras sinfonías para la orquesta. El conde Morzin padecía dificultades económicas, por lo que a los dos años despidió a todos sus músicos. No obstante, Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del director musical de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del imperio austríaco, y que residía en invierno en Viena y en verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría. Los Esterházy eran amantes y conocedores de la música y le dieron todo el apoyo que necesitaba para su labor, incluso su propia pequeña orquesta. Empezó a trabajar para el príncipe Paul Anton Esterházy en 1762, y muerto éste al año siguiente, en 1763, sirvió a su hermano Nicolás llamado el magnífico durante casi treinta años. En su nuevo cargo, Haydn tuvo una gran responsabilidad, que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, y organizar el montaje de óperas (presentaba todas las semanas dos operas y dos conciertos, además de las obras especiales para los visitantes destacados, y conciertos de música de cámara diarios en los que tocaba el propio príncipe la viola de bordón). A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre afortunado: " mi príncipe está satisfecho con toda mi obra, se me elogia, y yo como director de orquesta puedo hacer experimentos, observar qué refuerza un efecto y qué lo atenúa y hacer mejoras, intentando cosas nuevas".
Al ver que su situación era estable, Haydn se casó en 1770 con Maria Anna Keller, pero el matrimonio no se entendía y no tuvieron hijos. Tuvo por el contrario una larga relación sentimental con una cantante de los Esterházy, con la que, según algunos biógrafos, tuvo uno o varios hijos.
Transcurrieron casi 30 años en los que Haydn trabajó en este cargo y en los que compuso un sinfín de obras. A lo largo de este tiempo su estilo fue desarrollándose y su popularidad fue creciendo. Con el tiempo llegó a componer tantas obras para su publicación como para los Esterházy. Obras tan conocidas actualmente como sus Sinfonías de París fueron compuestas en aquellos años. En 1781 Haydn estableció una estrecha amistad con Mozart, sobre cuyo trabajo había tenido alguna influencia en los años anteriores. Sintió una gran admiración por Mozart y por la maestría con la que había escrito sus recientes óperas y conciertos. Por su parte, Mozart se esforzaba en componer música de cámara que estuviese en su opinión a la altura de Haydn, a quien dedicó unos cuartetos de cuerda.
Un año después de la revolución francesa de 1789 que conmocionaba a toda Europa, en 1790, murió el patriarca de los Esterházy y su sucesor resultó ser un hombre sin interés por la música, que despidió a la orquesta y jubiló a Haydn. Con tal motivo aceptó la oferta de un empresario musical alemán para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país fue un gran éxito. Haydn alcanzó una amplia fama y tuvo considerables ingresos. En Inglaterra compuso también algunas de sus obras más sobresalientes, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía nº 10 "Londres") y las Sinfonías Militares, el Cuarteto Reiter o el Rondo Gitano para trío con piano.
Habiendo considerado quedarse en Inglaterra, Haydn finalmente volvió a Viena, donde se hizo construir una gran casa, y decidió dedicarse a la composición de obras sacras. Escribió dos grandes obras, el Oratorio La Creación y el oratorio Las Estaciones, así como seis Misas. También compuso los últimos nueve Cuartetos de cuerda. A partir de 1802 una enfermedad que había tenido anteriormente volvió a aparecer y se desarrolló hasta tal punto que ya no era capaz de componer, si bien en su mente las ideas de nuevas obras fluían con facilidad. A pesar de estar bien cuidado y no faltarle de nada, así como de tener amigos y ser un músico apreciado, Haydn debió pasar sus últimos años entristecido por no poder trabajar en su música.
Haydn murió a los 77 años de edad, mientras Viena era atacada por las tropas de Napoleón. Disfrutó del amor pero al final no fue correspondido
2. ¿Con qué otro nombre se conoce al Clasicismo? ¿Por qué?
3. ¿Por qué se llama a esta época Clasicismo?
4. ¿Cuál es su periodización?
5. Características que definen la música de esta época: melodía, ritmo, textura, instrumentos y forma musical (la sonata).
6. Señala un instrumento importante en esta época y di el por qué.
7. ¿Qué instrumentos forman y formaban la orquesta clásica?
8. ¿Y un cuarteto de cuerda?
9. ¿Qué es una sonata, una sinfonía y un cuarteto?
10. ¿Quiénes formaban la 1ª Escuela de Viena?
11. Datos curiosos sobre Mozart, Haydn y Beethoven.
1. Es la sociedad en la que todo gira alrededor del hombre (antropocentrismo), se basa en la razon en contraposicion con el barroco que se basaba en dios y en la religión (teocentrismo).
2. Se conoce también con el nombre de el siglo de las luces, en el que hace referencia a esa iluminacion como corriente intelectual de pensamiento.
3. Se vuelve a los valores clásicos y se retoman los ideales griegos de aquella época.
4. Durante casi todo el siglo XVIII y que abarca desde el Racionalismo y el Empirismo del siglo XVII hasta la Revolución Industrial del siglo XVIII, la Revolución Francesa y el Liberalismo.
5. Música: polifonía, textura: es vertical u homofónica, forma: aparece la forma sonata con esquema ABA, sinfonía: es un concierto solo para orquesta. también es en forma de sonata.
ritmo: Se pierde el ritmo mecanico barroco.
6. Piano: Porque es un instrumento muy utilizado y muy clásico propio del clasicismo.
7. A mediados del siglo XVIII se inicia lo que podríamos llamar proceso de «estandarización» de la orquesta. De manera paulatina, los instrumentos van siendo anotados explícitamente en la partitura, con lo que se deja de lado, cada vez en mayor medida, la tendencia a la accidentalidad de las épocas anteriores. Aproximadamente entre 1750 y 1800 se asiste a la consolidación de la orquesta sinfónica; a partir de entonces este conjunto, con bases específicas en cuanto a su constitución, se desarrollará tanto cuantitativa como cualitativamente (mejoras técnicas y, por lo tanto, cambios relevantes en el sonido de los instrumentos), proporcionando la total variedad de giros orquestales conocidos en el siglo XIX y en el XX.
Dos fueron los centros de producción musical más importantes de aquella época, catalizadores del «nuevo estilo» y forjadores de la sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta: Mannheim y Viena. En estas ciudades, más que en cualquier otro sitio, se fraguó la realidad de la forma sinfonía. Mannheim disponía de unos excelentes medios materiales para experimentar en este campo: una orquesta disciplinada y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart. La orquesta fue conocida por la utilización de unos recursos, como el llamado crescendo Mannheim, que en realidad no fue invención de los miembros de este grupo. Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz (1717-57), también fructífero compositor que introdujo notables cambios tanto en el arte de la instrumentación como en los motivos musicales básicos del material sinfónico. En Viena destacaron una serie de compositores a los que, por lo general, no se ha tenido demasiado en cuenta, como Matthias Georg Monn (1717-50), considerado el más importante por sus aportaciones al concepto estructural de la sinfonía. Pero fue con Haydn y Mozart con quienes esta forma alcanzó el desarrollo que llevó directamente a las realizaciones beethovenianas.
A principios del período clásico, la orquesta estaba compuesta por dos oboes, dos trompas y el grupo de cuerdas. Poco a poco se fueron incorporando otros instrumentos de viento, como las flautas traveseras -por estas fechas la flauta y el oboe eran tocados por un mismo instrumentista- y las trompetas. Como elemento de precisión rítmica se hizo uso de los timbales. Los trombones, en cambio, no tuvieron lugar en la orquesta sinfónica; su utilización quedó relegada a la música sacra -en la que doblaban las partes de contralto, tenor y bajo- y a la ópera. El fagot, que no siempre estaba escrito en la partitura fue utilizado regularmente y adquirió a finales del clasicismo, cierta autonomía, alejándose así de la simple función de duplicar la línea del bajo que se le había encomendado en un principio.
Las trompas y las trompetas pasaron a ocupar el papel de «pedales de la orquesta», con lo que el bajo continuo vio disminuido su papel. De hecho, la desa parición del continuo comenzó hacia 1760, aunque no fue totalmente abolido en la práctica musical hasta finales del siglo XVIII.
El órgano y el clave, como sustentadores del desarrollo armónico, cumplieron, aún durante algún tiempo, un significativo papel en la música sacra y en la realización del recitativo seco. El clave se sobreentendía en la ejecución de la música sinfónica, sobre todo en la fase temprana del clasicismo, cuando los instrumentos de la orquesta no asumían la totalidad de las relaciones armónicas.
El compositor actuaba como director desde el clave, concertando a los distintos grupos instrumentales. No era otra cosa lo que Haydn hacía cuando dirigía a la orquesta de los Esterházy. Y desde el clave dirigió sus últimas obras cuando, en 1791, se presentó en Londres. Sólo la participación activa de los instrumentos de la orquesta hará comprensible el discurso armónico, lo cual, unido a la nueva concepción del lenguaje musical, acabará desterrando definitivamente el uso del bajo continuo.
Uno de los instrumentos que tendrán una prodigiosa evolución a través de los diferentes usos que de él se han hecho a lo largo de su historia, va a hacer su aparición gradual a partir de 1750. Este instrumento fue el clarinete. Al parecer, la ascendencia del clarinete se encuentra en la familia del chalumeau, grupo que cuenta con varios instrumentos de diversos tipos y tamaños. El clarinete fue empleado de manera intermitente en la primera mitad del siglo XVIll -se dice que la primera mención de este instrumento en una partitura, concretamente en una misa de Faber, data de 1720-. Sin embargo, compositores como Haendel y Rameau lo incluyeron en muy pocas obras. En cambio la renombrada Orquesta de Mannheim lo convirtió en instrumento fijo, incorporando dos al conjunto hacia 1758. Pero fue Mozart quien, a finales de siglo, abrió el camino a este instrumento.
8. En música clásica, el cuarteto de cuerda es una formación de música de cámara compuesta de 2 violines, una viola y un violonchelo.
9. Sonata: Sonata es el nombre dado a distintas formas musicales, empleadas desde el período barroco hasta las experiencias más rupturísticas de la música contemporánea.
Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto a una pieza musical completa, como a un procedimiento compositivo que utiliza dos temas generalmente contrastantes. Este procedimiento es conocido como "forma sonata".
Sínfonia: Una sinfonía es una obra para orquesta, usualmente separada en cuatro movimientos, cada uno con un tempo y estructura diferente. La forma de la sinfonía ha variado con el tiempo.
El tamaño de la orquesta necesaria para interpretar una sinfonía, en general, ha crecido con el tiempo: mientras una orquesta de cámara con un par de docenas de instrumentos es suficiente para interpretar una sinfonía de Joseph Haydn, una de Gustav Mahler puede requerir varios centenares de intérpretes.
La sinfonía probablemente alcanzó su madurez con Ludwig van Beethoven. Sus sinfonías usualmente tenían un primer movimiento Allegro de forma sonata, un movimiento lento (a veces en forma de tema y variaciones), un movimiento con ritmo ternario (usualmente un scherzo, anteriormente lo común era un minué y trío), para finalizar con otro movimiento rápido (rondó, existen sinfonías con un último movimiento escrito como forma sonata).
A pesar de que hasta ese momento las sinfonías eran obras puramente orquestales, la última sinfonía de Beethoven, su Novena Sinfonía concluye con un movimiento para orquesta, coro y solistas. Gustav Mahler incluiría frecuentemente coros y solistas en sus sinfonías.
Cuarteto:En música instrumental, un cuarteto es una formación camerística constituida por cuatro instrumentos. Por extensión se puede aplicar a las composiciones para estas formaciones.
Habitualmente se refieren a cuartetos de cuerda —aunque existen también de otras instrumentaciones, como saxos, por ejemplo— formados por dos violines, una viola, y un violonchelo, formación que es la más habitual y que fue inventada por Haydn.
El creador del género fue el austriaco Joseph Haydn (1732-1809), que compuso 84 obras para cuarteto de cuerda, la mayoría de las cuales se ejecutan habitualmente. Wolfgang Amadeus Mozart contribuyó con 23 obras y Ludwig van Beethoven con 17 cuartetos, que son una de las cumbres del género.
La literatura musical que aborda el género de los cuartetos es amplísima, destacando figuras como Haydn, Mahler, Mozart, Beethoven, Shostakovich. Ha sido, así mismo, utilizado por los compositores (especialmente por Beethoven), como un vehículo personalísimo de expresión musical.
10. La Escuela austríaca, también denominada Escuela de Viena, es una escuela de pensamiento económico que se opone a la utilización de los métodos de las ciencias naturales para el estudio de las acciones humanas, y prefiere utilizar métodos lógicos y la introspección, lo que se denomina individualismo metodológico.
Su origen se halla en el debate metodológico con la Escuela Histórica Alemana, que en un ánimo historicista intentaba confinar las leyes del mercado a diferentes etapas de la historia. Los 3 autores principales son Mozart, Hayden, beethoven.
11. Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, más conocido con el nombre de Wolfgang Amadeus Mozart (Salzburgo, Arzobispado de Salzburgo, Sacro Imperio Romano Germánico, actual Austria, 27 de enero de 1756 - Viena, Archiducado de Austria, Sacro Imperio Romano Germánico 5 de diciembre de 1791), es considerado como uno de los más grandes compositores de música clásica del mundo occidental.
Se mostró siempre como un gran teórico e innovador de la composición musical. Su marcado perfeccionismo lo manifestaría al escribir, a la edad de 22 años, la siguiente frase: "Me gusta que un aria quede tan a la medida de un cantante como un traje bien hecho". Según el testimonio de sus contemporáneos era, tanto al piano como al violín y la viola, un virtuoso.
Posteriormente artistas de distintas épocas y géneros del arte han sido influenciados por su música. Incluso el premio Nobel 1984, el poeta checo Jaroslav Seifert, llegaría a afirmar que ésta inspiró a la composición de sus versos.
Estudios realizados durante la década pasada atribuyen a su música, en especial a la sonata K.448, diversas cualidades como la de incrementar algunas capacidades del cerebro, así como también, disminuir la actividad epileptógena. Esto ha sido calificado como el "efecto Mozart", el cual se sostiene tendría una duración de 15 minutos.
A pesar de que murió muy joven (apenas a los 35 años), nos ha legado una obra muy importante y que abarca todos los géneros musicales de su época.
Franz Joseph Haydn (Rohrau an der Keitha, 31 de marzo de 1732 - Viena, 31 de mayo de 1809) compositor de música clásica, es uno de los máximos representantes del periodo clasicista, además de ser conocido como el "Padre de la Sinfonía" y el "Padre del Cuarteto de Cuerda".
Su hermano Michael también fue compositor, aunque menos conocido.
Nació en Rohrau, una pequeña población cercana a Viena en la actual república de (Austria), antigua capital del Imperio Austríaco , y cerca de la frontera con Hungría, en 1732, y fue el segundo de los doce hijos de Matthias Haydn y Anna Maria Koller. El padre era fabricante y reparador de carros al servicio del conde Harrach.
Entró como niño cantor en el coro de la Catedral de San Esteban en Viena donde estuvo durante nueve años, hasta que en 1749 Haydn alcanzó la edad en la que ya no pudo cantar tonos agudos, por lo que fue despedido del coro. Unos amigos lo acogieron en su casa, y decidió convertirse en músico independiente, transcurriendo diez años difíciles, destacando el ser sirviente del compositor italiano Nicola Porpora. Haydn sacó partido de estos años al ir adquiriendo mayores conocimientos musicales, hasta el punto que compuso sus primeros cuartetos de cuerdas y su primera ópera, además de que su reputación como compositor empezó a crecer y se hizo conocido de personas influyentes de Viena.
Al final de este período, en 1759, Haydn recibió una oferta de empleo importante, que fue la de director musical del conde Morzin. Al mismo tiempo componía, y escribió sus primeras sinfonías para la orquesta. El conde Morzin padecía dificultades económicas, por lo que a los dos años despidió a todos sus músicos. No obstante, Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del director musical de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del imperio austríaco, y que residía en invierno en Viena y en verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría. Los Esterházy eran amantes y conocedores de la música y le dieron todo el apoyo que necesitaba para su labor, incluso su propia pequeña orquesta. Empezó a trabajar para el príncipe Paul Anton Esterházy en 1762, y muerto éste al año siguiente, en 1763, sirvió a su hermano Nicolás llamado el magnífico durante casi treinta años. En su nuevo cargo, Haydn tuvo una gran responsabilidad, que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, y organizar el montaje de óperas (presentaba todas las semanas dos operas y dos conciertos, además de las obras especiales para los visitantes destacados, y conciertos de música de cámara diarios en los que tocaba el propio príncipe la viola de bordón). A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre afortunado: " mi príncipe está satisfecho con toda mi obra, se me elogia, y yo como director de orquesta puedo hacer experimentos, observar qué refuerza un efecto y qué lo atenúa y hacer mejoras, intentando cosas nuevas".
Al ver que su situación era estable, Haydn se casó en 1770 con Maria Anna Keller, pero el matrimonio no se entendía y no tuvieron hijos. Tuvo por el contrario una larga relación sentimental con una cantante de los Esterházy, con la que, según algunos biógrafos, tuvo uno o varios hijos.
Transcurrieron casi 30 años en los que Haydn trabajó en este cargo y en los que compuso un sinfín de obras. A lo largo de este tiempo su estilo fue desarrollándose y su popularidad fue creciendo. Con el tiempo llegó a componer tantas obras para su publicación como para los Esterházy. Obras tan conocidas actualmente como sus Sinfonías de París fueron compuestas en aquellos años. En 1781 Haydn estableció una estrecha amistad con Mozart, sobre cuyo trabajo había tenido alguna influencia en los años anteriores. Sintió una gran admiración por Mozart y por la maestría con la que había escrito sus recientes óperas y conciertos. Por su parte, Mozart se esforzaba en componer música de cámara que estuviese en su opinión a la altura de Haydn, a quien dedicó unos cuartetos de cuerda.
Un año después de la revolución francesa de 1789 que conmocionaba a toda Europa, en 1790, murió el patriarca de los Esterházy y su sucesor resultó ser un hombre sin interés por la música, que despidió a la orquesta y jubiló a Haydn. Con tal motivo aceptó la oferta de un empresario musical alemán para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país fue un gran éxito. Haydn alcanzó una amplia fama y tuvo considerables ingresos. En Inglaterra compuso también algunas de sus obras más sobresalientes, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía nº 10 "Londres") y las Sinfonías Militares, el Cuarteto Reiter o el Rondo Gitano para trío con piano.
Habiendo considerado quedarse en Inglaterra, Haydn finalmente volvió a Viena, donde se hizo construir una gran casa, y decidió dedicarse a la composición de obras sacras. Escribió dos grandes obras, el Oratorio La Creación y el oratorio Las Estaciones, así como seis Misas. También compuso los últimos nueve Cuartetos de cuerda. A partir de 1802 una enfermedad que había tenido anteriormente volvió a aparecer y se desarrolló hasta tal punto que ya no era capaz de componer, si bien en su mente las ideas de nuevas obras fluían con facilidad. A pesar de estar bien cuidado y no faltarle de nada, así como de tener amigos y ser un músico apreciado, Haydn debió pasar sus últimos años entristecido por no poder trabajar en su música.
Haydn murió a los 77 años de edad, mientras Viena era atacada por las tropas de Napoleón. Disfrutó del amor pero al final no fue correspondido
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